ディオール 2026-2027年秋冬オートクチュールコレクションージョナサン・アンダーソンが探る、“フォルムの法則”

2026年07月14日(火) 14:00

ディオール 2026-2027年秋冬オートクチュールコレクションージョナサン・アンダーソンが探る、“フォルムの法則”

「私はアトリエでの制作に熱心に取り組んでいます。アトリエは、いわば私の実験室なのです」

アメリカの彫刻家リンダ・ベングリスのこの言葉は、ジョナサン・アンダーソンによるディオールの2026-2027年秋冬オートクチュールコレクションを読み解くための鍵となります。

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© ADRIEN DIRAND | © Dior

ディオールにおける2度目のオートクチュールコレクションでアンダーソンが向き合ったのは、流行や装飾ではありませんでした。彼が探求したのは、衣服がどのように形を得るのかという、クチュールの根源的な問いです。

ノッティング、プリーツ、ドレーピング。平面の素材が身体の上で立体へと変化していく過程。その思考は、二次元の素材を結び、折り、成形しながら三次元へと変容させてきたリンダ・ベングリスの彫刻作品と響き合います。アンダーソンはその関係性を出発点に、クチュールという言語を通じて「フォルム」の本質を見つめ直しました。

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今回のコレクションは、同時期にロダン美術館で開催された展覧会「Grammar of Forms（フォルムの法則）」とも深く結びついています。展覧会では、新作クチュール、ディオールのアーカイブ、そしてリンダ・ベングリスの作品が同じ空間に並び、服と彫刻の対話が可視化されました。

クチュールを“彫刻”として捉え直す
ベングリスの作品は、素材そのものが持つ性質を尊重しながら形を生み出していきます。ブロンズ、ワックス、紙、ラテックス、フォーム、グリッター。異なる素材はそれぞれ独自の振る舞いを見せ、その偶発性さえ作品の一部となります。アンダーソンは、この考え方をクチュールへと応用しました。

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ルック全体を通して繰り返し現れる大きなリボンや結び目のモチーフもまた、装飾ではなく「形が生まれる瞬間」を示す視覚的な記号として機能しています。

ニュールックの精神を現代に読み替える
今回のコレクションが興味深いのは、未来へ向かう実験性と同時に、ディオールの原点へ立ち返っている点です。

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展覧会「Grammar of Forms」のテキストでは、クリスチャン・ディオール自身が1947年の“ニュールック”で提示した「服の建築」という考え方に触れられています。ボーンやパッドによる内部構造によって支えられた彫刻的シルエット。さらに彼はその後、「Zig-Zag」「Tulip」「A」「H」といった建築的な名称をコレクションラインに与えながら、身体のフォルムを再解釈していきました。

その思考法こそが、今回のクチュールに通底しています。

インドとニューメキシコ、二つの風景
コレクションの色彩や装飾には、リンダ・ベングリスが長年関わってきた二つの土地の記憶が重なります。

一つは、インド・グジャラート州アーメダバード。

ベングリスが滞在したサラバイ家の邸宅で見た孔雀たちから着想を得た《Peacock》シリーズは、鮮やかな花々やビーズ装飾として再解釈されています。

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さらにアンダーソンは、18世紀インドの更紗「チンツ」にも着目。ヨーロッパ装飾芸術に大きな影響を与えたこのテキスタイルの断片を、〈レディディオール〉や〈プティディネ〉に取り入れています。

フォルムを学び直すためのクチュール
ジョナサン・アンダーソンにとって今回のオートクチュールは、ディオールの歴史を引用するためのものではありませんでした。それは、クチュールという表現が本来持つ可能性を再び問い直すための試みです。

彫刻と衣服。

身体と素材。
伝統と実験。

そのあいだを往復しながら生み出された66のルックは、服を着ることの先にある「フォルムの創造」を提示していました。リンダ・ベングリスの言葉を借りるならば、ディオールのアトリエは今、新たな実験室として動き始めています。