長谷川白紙が語るフジロック、比類なき音楽家が辿り着いた新境地

2023年07月19日(水)17:30

複雑な楽曲構造と圧倒的なポップさを両立する音楽性が広い層から支持を集める長谷川白紙。初となるフジロック出演の準備と並行して、ニューアルバムの制作中であるという。

自身の身体が持つ複雑さや撹乱性を、時間の使用によって統合的に示す。非常に興味深い話を伺うことができた。

来たる新作のモードを明かす

―先日のライブ「EPONYM 1A (TOKYO)」（今年5月、Zepp Shinjuku(TOKYO)にて開催）、本当に素晴らしかったです。新曲を多数披露されていましたが、今までの曲と比べてかなりヘヴィなサウンドになっていて、驚く一方で大きな感銘を受けました。制作中のニューアルバムはどんな方向性になっているのでしょうか。

長谷川：まず、言及いただいたように、サウンドの合成法というか、どういうサウンドを自分で鳴らそうかという方法が、『エアにに』（2019年の1stアルバム）の頃からだいぶ変わってきた、というのがあります。単純にここ最近、気付きが多かったんですね。いろんなアーティストの音を知って、いろんな合成法を知って。オーケストレーションの方法が自分の中で一つ増えた感覚がありますね。

この話をしようとすると、どうしてもわたしの身体感覚について説明する必要があります。以前のインタビューや配信で、自分の中ではベースがあまり重要視できない、という感覚を伝えたことがあったんですけど、それを自分で想定できるようになってきた。リズムを考える上で、混沌とした拍点のみがあるのではなくて、一定の単位で整理されたリズムの作り方というのがあることに気付いた。

それは、ヒップホップを熱心に聴くようになって気付いたことです。これまでのわたしは、リズムということに関して言うなら、整理された一定のリズムパターンというのをあまり認識できていなかったような気がします。でも、最近はそれができるようになってきて。

これはおそらく、わたしの打てる手が増えてきたということなのだと思います。ある程度のスペースを伴ってリズムをデザインする箇所と、そうではない箇所を、ともに意図的に作れるようになってきた。ベースについてもそう。低音が飽和していって拍点がわからなくなる箇所があれば、同時にそれを強調することもできるようになった。まあ、他の人からしたらカオスから何も変わってないように聴こえるかもしれないんですけど（笑）。

低音の活かし方についても、自分の中で”撹乱の様態が増えた”ということなんだと思います。わたしは、自分の身体感覚から作曲というかプロセシングを始めることが多いんですね。『エアにに』あたりまでは、低音というものが持つ、リズムを規定するというある種の権威的な能力に対し、「そうではない」という反抗の仕方しかできなかった。それが今では、低音というものが持つ権威性を解体するのか、もしくはそれをわざとらしく誇張してみせるのかというところにおいて、グラデーションを得られるようになってきている感覚があります。

今年5月8日、「EPONYM 1A (TOKYO)」にて撮影（Photo by @hayatowatanbe）

「EPONYM 1A (TOKYO)」のセットリストをまとめたプレイリスト

―新曲では、白紙さんのボーカルがバリトン寄りの低域を前面に出すようになってきた印象があって。『エアにに』までの音源ではファルセット寄りの発声で、バックトラックに綺麗に溶け込む響かせ方が主だった。しかし、『夢の骨が襲いかかる！』（2022年のカバーアルバム）以降は、エモーションの発露というか、良い意味でぶざまに聞こえるような分厚い響きを出すのを恐れなくなっているように思います。

長谷川：その評価はありがたいです。先にお話した、あるものに対しそれを解体したり無化したりすることもできれば、わざとらしく誇張してみせることもできるというのは、わたしが近年学んだ非常に重要な軸なんですね。そして、その多くがクィア理論のやり方からきています。声についても、わたしの身体、喉がすでに持っている撹乱性というのを、わたしは使用できるようになってきている。わたしの身体が持っているぶざまな部分であるとか、恐ろしい部分、気持ちの悪い部分、不快な部分ーー今のわたしは、それを見せることに執着している。それが最近のわたしの根底にある指針なのだと思います。

こうしたことは、新作の方向性にも非常に関わっています。複製芸術が乗り越えるべき問題が「身体」にかけられていると感じるんですよね。我々は音楽をやるときに、聴取者に対してある一定の時間ここに留まるように、という要請を必ずする。

ある一定の時間を拘束力を伴って提出するというか。その権威性に対して、わたしは無自覚ではいられないんですよね。ある一定の時間を要請するときに、では何故それを要請すべきなのかということです。ジョン・ケージが「統合された時間の使用」という言葉を用いて表現していたんですけど、これは非常に重要な視座だと思っていて。わたしの身体が持っている複雑性であるとか、混沌であるとか、撹乱性というものを、その時間の使用によって示す。身体とはすべて複雑なものであるということを、音楽によって提示できるかもしれない、という目的があるんですよね。それが、わたしの背負っている役割のような気がしています。

―最初の方で「いろんなアーティストの音を知って、オーケストレーションの方法が自分の中で一つ増えた」というお話がありましたが、具体的にどんな音楽への理解を深め、そこから何を学んだのか教えてもらえますか。

長谷川：影響源は近年ものすごくたくさんあったので、特にこれだと言うのは難しいのですが。一つには、ジェームス・ブラウンの研究を行いました。そこで、現代において規範的で権威的なリズムというものが、バスドラム、スネアドラム、ハイハットという三つの要素にいまだに分解できる、というのがわかったんですね。

で、その後はプレイボーイ・カルティをものすごく聴きました。

バスドラムのディケイやリリースがリズム全体のテクスチャーに与える影響はどのようなものなのか、という視点ですね。ベースがドゥーンと長く続いているのか、それともスタッカートでバツンと切れているのか。そうしたことが、リズムの拍点に何をもたらすのか。トラップなどにおけるディケイが非常に長いベースは、あれ以上のBPMでは成立しなくなっていくんだろうなという所感があります。ああいう包み込むように芳醇なベースを用意するためには、ある一定のBPMという枠組みが必要なんじゃないか。そしてそれは、けっこう固定されているものなんじゃないかと思いました。

次に、ソフィーをものすごく聴きました。あらゆるサウンドが許容される事態を想定したときに、何がリズムに影響をもたらすのか。ここの話から、「時間の使用」がとても重要になってくると思います。あるテクスチャーがリズミックであるのか、それとも持続的であるのかというパラメーター。そして、何がその音質にかけられているのか。ソフィーがやっていたことも、わたしの活動に大きな影響を与えています。

音楽における時間の使用において、何が突拍子もなくて、何であればそうでなく聞こえるのか。そしてそれはどのようなリズムを伴っているのか。リズムにおいて、ある権威的なビートを採用することと、そうではないものを採用する、その間の撹乱をやってきたのが、ソフィーやアルカ、A.G.クックといった現代におけるアイコニックな人たち。この言い方はあまり好きじゃないんですけど、ハイパーポップであるとか、あとはバブルガムベースであるとか。先述のことは、そういったムーブメントにおいて非常に重要な事柄だったと思っています。

あと、マヌエラ・ブラックバーンであるとか、ホラシオ・ヴァギオーニといった、いわゆる西洋音楽芸術における、エレクトロ・アコースティックと呼ばれるムーブメント。これは、いま聴くと「ギターのことかな」と思う方が大半だと思うんですけど、サウンドアート的というか。いわゆる音源データ、ある一曲が完全に複製技術として固定された形態を持っている状態のことを、西洋芸術音楽ではフィクスト・メディアと言うんですね。そこで、ブラックバーンというわたしがとても好きな作家が、テクスチャーとリズムの間における認識の境界線のようなことについてずっと実践していた。あるパルスがどれだけ速ければテクスチャーに聞こえて、どれだけ遅ければリズムに聞こえるのか。そうしたことをブラックバーンは雄弁に語っている。新作のモードとしては、この四つが重要な思索だったと思います。

∈Y∋からの学び、フジロックに向けて

―「EPONYM 1A」に話を戻すと、COSMIC LABによる映像演出、∈Y∋さん（BOREDOMS）のDJも素晴らしかったです。

長谷川：もう、凄かったですよね。自分がライブをやっているとき、自分のライブがどういうふうになされているか、わたしは見れないというのがジレンマとしてあるんですけど、少なくとも∈Y∋さんは凄すぎましたね。ずっと異常なシンゲリ（タンザニア発祥の高速ダンスミュージック）が……シンゲリとも呼べないようなシンゲリ。

―共演を通じて得るものはありましたか？

長谷川：ええ、非常にありました。∈Y∋さんのDJセットでは、やはりテクスチャーとリズムの問題が非常によく取り扱われていたと思うんですね。そうだ、よく考えたらさっき、マヌエラ・ブラックバーンと一緒にシンゲリの話もしておくべきでした。シンゲリもある種、テクスチャーとリズムの境界線にあるものを常に取り扱っていると思うんです。非常に示唆的で重要だと思うのが、シンゲリは現地の言葉でケレレ（kelele）と呼ばれていて、これがスワヒリ語でノイズという意味なんですよね。つまり、それが整頓されたパルス、秩序化されたリズムであるのか、単なるノイズであるのか、という問題を常にシンゲリは取り扱っている。そこに対して∈Y∋さんが仕掛けてきたアプローチは、ずっと加速してずっと落ちてこない。そして、音質がどんどん変化していく。これは要するに、非常に速い身体性で秩序化されたリズムであるのか、それともノイズであるのかという問題。本来ならこれは、あまり明示的でないはずなんですよね。個人の感覚によっても違うでしょうし。ただ、それがあるかのように見せかけられている。∈Y∋さんのセットはそういう現実をすごく提示していると思っていて。こんなことを考えずにただ踊れるというだけで素晴らしいセットだったとも思うんですが、そこの影響は確実に受けています。

―白紙さんは「EPONYM 1A (TOKYO)」でのMCで、フジロックにも同じセットを持っていくとお話していましたよね。どういったライブになりそうですか。

長谷川：基本的には、わたしの持っている主題は変わらないと思います。それをするつもりで臨みますし、演出に関しても「EPONYM 1A」のチームに引き続き協力していただく形になります。非常に楽しみです。

︎―ちなみにフジロック出演が決まったとき、どう思われました？

長谷川：「うわー！」と思いました（笑）。まさか、という感覚がありましたね。非常に嬉しい反面、なんというか背筋が伸びました。ちゃんと爪痕を残さなければならないな、という意識になったというか。

―観客として楽しみなアーティストはいますか？

長谷川：3日目にリゾが出るんですよね。絶対観たい。フジロックは、キュレーションがずっと素晴らしいなと思っていて。いま日本で観られるべきアーティストを非常に的確に選んでいる印象があって。100 gecsがどんなライブをやるのかは気になりますね。（海外では）観客がひたすらシンガロングするライブがフジロックでどうなるのか。ブラック・ミディもライブを観たことがないので気になる存在ですね。VegynとかTohjiも見たいんだけど初日から行けるのかな。

ルイス・コールも気になりますね。ライブをするときに、一つのショウケースとしてデザインする意識が強くあるタイプだと思うんですよ。ある共有された場においてエンターテインメントを成立させるには、どのような所作やセットリスト、演出が必要であるのか。そういうことに対して、非常に自覚的なアーティストだと思います。

∈Y∋さんとCOSMIC LABも初日に出ますよね。2021年にもFINALBY( )名義で出ていて。球状の物体に触ると音がするみたいな、非常に混沌としたもので（笑）。プリミティブな面が常にありますよね。ある物体を回すと音がするのだ、という直結的な構造というか。その上で出てくるサウンドスケープが凄い。非常に撹乱的なセットだったと思います。

―次のアルバムもフジロック出演も楽しみにしています。これを機にさらに話題になっていくでしょうし。

長谷川：最初に語ったようなことを行うためには、わたし自身の規模がどんどん大きくなっていく必要がある。だから、フジロックに呼んでいただけるのも非常に光栄です。ちゃんとアプローチしていきたいですよね、自分に取れる手段で。

―それに関連して、ポップさというか、どういう引っ掛かりを作るかといったことは意識されますか。

長谷川：ええ、非常に意識していると思います。身体の問題がやはりあるんですよね。ジュディス・バトラーではないですけど、常に重要なのは身体である、というのがわたしの主軸として強くあって。さっきわたしが複製芸術というものを強調して言った理由のもう一つに、複製芸術が身体を仮構するというのがあります。聴取者のなかに、実際とは違う想像上のアーティストの身体、というものを常に構築するよう促すと思うんですよ。わたしは、その構築される身体、というものも最大化したいという欲求があって。そしてこれは、聴取者がいればいるだけ、その数だけその現象が起こるというふうに感じているんですね。もちろんこれは、少なければ何をしていいとか、多ければ当てにいくべきだとかいう論でもないんですけど。なるべく多様な観点、わたしが独りで準備できるようなものではない観点から、逆説的にわたしの身体の撹乱を引き起こす。そのためには、ある種のポップ性が非常に重要ということは理解していますし、サウンドデザインやアルバム全体の構造でもそれを提示できるように思っています。

―アルバムというフォーマットには、だいぶこだわりがありますか？

長谷川：たぶん前まではあまりなかったと思うんですよ。一番強い影響源とかディグの場がSoundCloudとかニコニコ動画、YouTubeだった、そういったものが自分にとって原初のものだったというのが強いと思います。だから、わたしにとっては、アルバムというのは「なぜアルバムになっているのか」よく分からないものだったんですよね。確かに、アルバムの流れで聴いて、この曲がこういうふうに作用している、結果的にこの曲は単体で聴いたときと全く違う聴こえ方をする、というのが非常に重要というか、良い点だともわかっているんですけど、果たしてそれだけなのだろうか。ということをずっと思っていたんですよね。それが先ほどお話ししたようなことと繋がります。音楽というものが、時間の使用というものを前提化していることと、そこに対して、わたしが行える、そして行うべきであろう撹乱というものは、構築されていく身体というものが常に多様で複雑であるという事実を明示することだと思っています。アルバムというフォーマットは、それをやるのに非常に向いているという確信があるんですよ。