パークホテル東京（運営：株式会社芝パークホテル／東京都港区、代表取締役社長 田中紀良）では、客室の壁や天井にアーティストが直接絵を描き、空間全体を作品として仕立てる「アーティストルーム」を展開しています。本プロジェクトは、日本の美意識や文化をテーマに、日本のアーティストと協働しながら唯一無二の宿泊体験を創出する取り組みです。
Q1：あやいろさんは、東京外国語大学英語学科をご卒業後にアーティストの道へ進まれていますが、これまでのご経歴や、アートを始められたきっかけについてお聞かせください。
一見すると異なることをしてきたように見えるかもしれませんが、自分の中ではすべてが一本の線でつながっています。もともと幼い頃から、絵を描くことが好きで、さまざまな表現を楽しんできました。中学から高校の頃には、ハリウッド映画の俳優や女優の表情をスケッチすることに夢中になっていた時期があります。彼らの佇まいに強く惹かれ、「同じ言語で話したい」「同じ世界を共有したい」という思いから、英語を学び始めました。
英語を習得していく中で、その背景にある文化や価値観に触れるようになり、自分とは異なる思考に強く惹かれて留学も経験しました。そうして多様な価値観に触れるうちに、今度は「自分とは何者なのか」「自分の考えはどこから来ているのか」といった、自身のアイデンティティに向き合いたいという気持ちが生まれました。そのとき、不思議と、絵を描くことで「自分が何かを理解できたような感覚」があったんです。その感覚は言葉ではうまく説明できるものではありませんでしたが、「こういうことなのかもしれない」と感じられる体験でした。そうした感覚をきっかけに、幼少期をテーマにした作品を描き始めるようになりました。
当時はその感覚を明確に言語化できていたわけではありませんでしたが、絵を描くことが自分のアイデンティティと深く結びついているのだと、身体感覚として感じていたのだと思います。
Q2：日本の里山風景やそこに暮らす子どもたちを描いた作品は、どこか懐かしさを感じさせる独特の世界観が印象的です。幼少期の記憶が現在の画風にどのように影響しているのか、作品に込めた思いとあわせてお聞かせください。
実は、制作を始めた当初と比べて作品に対する捉え方は大きく変化しており、現在の視点でお話しすると、私の中では「作品に込める思い」というものは、特別にあるわけではないと感じています。というのも、「何かを伝えるために描く」というよりは、何かに心を動かされて「とにかく描きたい」という衝動から制作が始まるからです。描き進める中で取捨選択を繰り返し、後から「自分はこれに惹かれていたのだ」と気づくというプロセスが、私の制作の基本になっています。そのため、描いている最中は、自分でも何を描いているのかはっきり分かっていない感覚に近いですね。
結果として、絵を描くことは私にとって「自己理解」や「自己探求」の手段になっています。これまで幼少期の記憶や風景を描いてきましたが、今振り返ると、それ自体を再現していたのではなく、それを見たときに生まれた「感覚」を表現していたのだと思います。だからこそ、色味や風景も現実とは異なる形で表れているのだと感じています。
少し抽象的ではありますが、自分が一貫して惹かれているものをあえて言葉にするなら、「揺らぎの美」だと思います。光や影、夕暮れ、水面の揺れなどによってふと立ち上がる、美しいけれど形を留めておけなかったり、存在しているのに掴みきれなかったりする感覚に強く惹かれています。幼少期というテーマも、鮮明に記憶に残っているのに二度と戻れないという意味で、まさに「揺らぎ」を含んでいます。
現在は、次の展開として都会の風景、特に銀座をモチーフにした制作にも取り組んでいます。モチーフは異なっても、描いているのは風景そのものではなく、その場に立ったときにふと立ち上がる空気感や、次の瞬間には消えてしまいそうな感覚です。このように、私の中では一貫して「揺らぎの美」に惹かれ、それを理解するために描き続けている、というのが現在の解釈です。
Q3：美術大学には進まず独学で現在のスタイルを確立されたとのことですが、現在の表現に至るまでにどのような試行錯誤や変遷があったのか、お聞かせください。
美術大学に進まなかった理由としては、「知識や技術を学びたい」という思いよりも、「自分の感じているものをどうしても表現したい」という欲求が強かったことが大きいです。もちろん、美大で体系的に学ぶことの重要性はよく理解していますが、私の場合は「これを描きたい」「どうすればこの感覚を表現できるのかを自分で見つけたい」という思いが何よりも優先されていました。その感覚は自分にしか分からないものだからこそ、最終的には自分自身で向き合うしかないとも感じていました。
そのため、「この感覚にはどの色がふさわしいのか」「ここに線を引くべきかどうか」といった問いを一つひとつ、自分の感性と照らし合わせながら確かめていく方法が、自分には最も合っていたのだと思います。結果として独学で現在の表現に辿り着けたのは幸運だったと感じていますし、外部の価値観や固定概念に縛られずに、自分の感性と自由に向き合えたことは、大きな意味があったと感じています。
Q4：普段はどのような環境で制作されているのでしょうか。また、着想の得方やロケーションのリサーチ、表現方法など、制作プロセスや作品づくりにおいて大切にされていることをお聞かせください。
制作のプロセスとしては、理屈よりもまず自分の感覚を大切にしています。自分が惹かれる場所や対象には必ず足を運び、その場で何を感じるかを確かめることから始めます。同時に写真を記録し、それをベースにしながら、当時の感覚に立ち返りつつ制作を進めていきます。その過程で、写真にはない要素を加えたり、逆に不要だと感じたものを削ぎ落としたりと取捨選択を重ねることで、自分が何に惹かれていたのかが次第に見えてきます。
なかでも大切にしているのは、「自分自身がその対象を体験すること」です。強く惹かれる気持ちや描きたいという思いがなければ作品にはならないため、その感覚を何よりも重視しています。あくまで自分の感性に忠実であることを大切にしているので、風景をリアルに再現すること自体は重視していません。
着想については、日常の中での偶然の出会いがきっかけになることもありますが、多くの場合は制作を進める中で新たな疑問が生まれ、それが次のテーマへとつながっていきます。例えば、里山で感じた「揺らぎの美」が、都会でも表現できるのではないかという気づきから、都市の風景へと関心が広がっていきました。
リサーチについても、特別に綿密な調査をするというよりは、日常の中で自然に惹かれたものを大切にしています。雑誌の写真やふとした風景など、さまざまなきっかけからインスピレーションを得ており、常に感覚のアンテナを張っている状態です。最近では銀座に足を運ぶ機会が増え、ネオンの光そのものではなく、それによって生まれる空気感に強く心を動かされています。
このように、偶然の出会いの中で立ち上がる一瞬の感覚をすくい取り、それを表現へとつなげていくことを大切にしています。
Q5：今回のプロジェクトは、客室全体をキャンバスとして捉えるという点で、これまでの制作とは異なる特別な体験だったかと思います。空間を含めた表現ならではの着想の違いや、新たに挑戦されたこと、また制作における工夫や苦労された点についてお聞かせください。
私は普段、平面のキャンバスに作品を描いていますが、天井を含めた360度の空間に表現するのは今回が初めてでした。最初に部屋を見たとき、従来の「見る」作品とは異なり、「その場に身を置いて没入する体験」になると感じ、鑑賞の在り方そのものが大きく変わると実感しました。そのため制作では、作品としてだけでなく、“体験をデザインする”ことを強く意識しました。花火のスケールや配置、描き込みの密度、余白の取り方などを検討しながら、どのようにすれば心地よく没入できるかを考え続けていました。また、廊下から客室へと入る流れも含め、期待感を高める導線づくりも大切にしています。
特に意識したのは余白です。ホテルという特性上、滞在体験そのものに寄り添う必要性を感じ、すべてを描き込むのではなく、あえて余白を残すことで、呼吸ができるような余裕を持たせ、心地よく過ごせる空間づくりを意識しました。一方で色使い自体は大きく変えておらず、自分の感性に基づいた表現をそのまま活かしています。
今回の制作で最も大きく変わったのは、モチーフや色ではなく、「空間全体をひとつの体験としてどう成立させるか」という意識の部分だったと感じています。
Q6： 実際にお部屋を拝見し、あやいろさんならではの世界観が広がる空間に、温かい印象を受けました。本客室に込められたストーリーやコンセプトについてお聞かせください。
花火をモチーフに選んだ背景には、まず「日本らしいテーマで」というリクエストがホテルからありました。さらに、このお部屋から実際に花火大会を正面に眺めることができると伺い、その景色を思い浮かべたときに、「花火がとてもよく似合う空間だ」と直感的に感じたんです。実際に、窓ガラスに描いた花火が映り込むことで、まるで外と内が地続きになっているような一体感が生まれ、空間としての広がりをより感じられるようになっています。
さらに花火は、私がこれまで一貫して惹かれてきた「揺らぎの美」を象徴するモチーフでもあります。見る瞬間は華やかで高揚感がありながら、一瞬で消えてしまう儚さを併せ持っている。その切なさも含めて美しい存在だと感じており、今回の空間でも「楽しい」という感覚に加えて、ほんの少しの余韻や儚さを重ねながら表現しました。
色についても、自分にとって非常に重要な要素です。夕暮れのグラデーションは、はっきりと移り変わるのではなく、曖昧に揺らいでいく感覚そのものを表現したもので、私の中ではとても大切な表現のひとつです。上部に黒を取り入れることで時間の流れと奥行きを感じさせ、全体を引き締めるバランスも意識しています。
一方で、あまり使用しない色として「緑」があります。
Q7：今回、パークホテル東京に滞在しながら制作されたとのことですが、実際にお過ごしになってどのような印象を持たれましたか。ホテルの雰囲気や居心地についてお聞かせください。
「これまで泊まったホテルの中でナンバーワン」と断言できるほど、大好きな場所になりました。制作後もプライベートで何度も訪れているほどです。
特に印象的なのは、大きな窓からの景色です。制作中もつい手を止めて見入ってしまうほどで、一日の中でも時間帯や天候によって表情が大きく変わり、まるで別の世界のように感じられます。その移ろいが、創作にとって大きなインスピレーションになっていました。
また、ホテル全体に高級感と清潔感がありながら、自然とリラックスできる空気があり、とても心地よく過ごせました。館内に点在するアートも印象的で、生活や滞在の延長として自然にアートを楽しめる点に、他にはない魅力を感じました。
そして何より心に残っているのは、スタッフの皆さんの温かさです。制作中もさまざまな場面で支えていただき、再訪した際には「おかえりなさい」と迎えていただける。その温かさに触れるたびに、ここは自分にとって心からくつろげる場所なのだと感じます。何度でも帰りたくなる、そんな特別な魅力を持ったホテルです。
Q8：パークホテル東京には海外からのお客様が多くいらっしゃいますが、この客室ではどのような体験をしてほしいとお考えでしょうか。また、ご宿泊されるゲストへのメッセージがあればお聞かせください。
基本的に、鑑賞される方に「こう感じてほしい」といった明確な方向づけは持っていません。まずはこのお部屋に滞在していただき、空間そのものを自由に楽しんでいただけたら、それが何より嬉しいことです。ただひとつ挙げるとすれば、「花火」に対する感じ方は文化や国によって大きく異なるものだと思います。日本では、ただ美しいだけでなく、夏の一瞬で消えてしまう儚さや切なさを伴う存在として、多くの人が共通の感覚を持っているのではないでしょうか。そうした繊細な美意識も、日本らしさのひとつだと感じています。そのため、海外からいらした方にとっても、このお部屋での滞在が日本の感性に触れるきっかけになれば、とても嬉しく思います。
また、私自身は「旅」というものも、どこか花火に似ていると感じています。その瞬間は高揚感にあふれていて楽しいけれど、あっという間に過ぎ去ってしまう——そんな儚さを持っている点が共通しているように思うんです。だからこそ、このお部屋で過ごす時間や旅そのものが、花火のように心に深く残る、かけがえのないひとときになればと願っています。
■作家プロフィール
東京生まれ。東京外国語大学英語学科卒業。カナダ・ブリティッシュコロンビア大学に留学。風景や記憶を手がかりに、自身の内側に残る感覚や惹かれを探求し、作品へと描き出している。
2026 Paper Positions Berlin／Contemporary Tokyo／ベルリン
2025 ⽔の記憶（個展）／Contemporary Tokyo／東京
2025 London Original Print Fair／ロンドン
2024 Art Jakarta／ジャカルタ
2024 Don’t Lose Yourself／Mr. Huang Art Museum／⻄安
2024 ！（個展）／Contemporary Tokyo／北京
2024 Visual Narratives／Touch Ceramics／⾹港
2023 ⽇が暮れて（個展）／奈良 蔦屋書店／奈良
2023 Gifts from the Ancient Times（個展）／Galerie Zberro／パリ
2023 Art Session／銀座 蔦屋書店／東京
2023 美の共鳴／Mei Art, Soak Art／台北
2023 Focus Art Fair／ニューヨーク
2022 ART021 Shanghai／上海
2022 KIAF Seoul／ソウル
2020 第 37 回 ザ・チョイス年度賞優秀賞
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パークホテル東京について
パークホテル東京は、1948年創業の芝パークホテルの姉妹ホテルです。汐留メディアタワー25階から34階にあり、東京タワーや富士山を見渡せる絶景が魅力です。客室は268室で、うち52室はアーティストが壁に絵を描いた「アーティストルーム」です。この「アーティストルーム」は、“日本の美意識が体感できる時空間”をコンセプトにしたプロジェクトで、ジャパン・ツーリズム・アワードで領域優秀賞を受賞しました。ロビーや回廊には400点以上のアートが展示されています。呈茶や絵画体験などのアートイベントも開催しています。
https://parkhoteltokyo.com
Taking Japanese culture and aesthetics as its themes, the project works hand in hand with Japanese artists to create stay experiences found nowhere else.
Here we introduce the Artist Room “Fireworks” (available from September 2025) by Ayaïro, an artist who draws on satoyama landscapes — Japan’s countryside where villages meet the hills — and on memories of childhood to paint a world entirely her own. In this interview she speaks about the background to her work, the thoughts she carried into the room, and her own stay at the hotel.
Q1. You graduated from Tokyo University of Foreign Studies with a degree in English before taking the path of an artist. Could you tell us about your background, and what first drew you to art?
It may look as though I have moved between unrelated things, but within me it all connects in a single line. I loved to draw from the time I was small, and I enjoyed expressing myself in all sorts of ways. In junior high and high school, there was a period when I became absorbed in sketching the faces of Hollywood actors and actresses. I was strongly drawn to the way they carried themselves, and out of a wish to “speak the same language” and “share the same world,” I began to study English.
As I learned the language, I came into contact with the culture and the values behind it. I was strongly drawn to ways of thinking different from my own, and I went abroad to study. As I encountered that diversity of values, a new feeling took shape: I wanted to face my own identity — who am I, and where do my thoughts come from? And then, curiously, drawing gave me a sense that I had come to understand something. It was not a feeling I could explain well in words, but it was an experience that let me think, “perhaps this is what it is.” That sensation is what led me to start painting works themed on childhood.
At the time I could not put that feeling clearly into words, but I think I felt it in my body — that drawing was deeply bound up with my own identity.
Q2. Your works depicting Japan’s satoyama landscapes and the children who live in them have a distinctive world of their own, one that carries a sense of nostalgia. Could you tell us how memories of childhood shape the way you paint today, and what thoughts you bring to your work?
In truth, the way I see my own work has changed a great deal since I began. Speaking from where I stand now, I don’t feel there are any particular “thoughts I place into a work.” That is because I don’t paint in order to convey something; the work begins from an impulse — something moves me, and I simply want to paint. As I go, I select and discard, over and over, and only afterwards do I realize, “ah, this is what drew me.” That process is the foundation of my practice. So while I am painting, it is close to not quite knowing what I am painting.
As a result, painting has become a means of self-understanding, of self-exploration. I have painted memories and landscapes from childhood, but looking back, I was not reproducing those things themselves — I was expressing the sensation that arose in me when I saw them. That, I think, is why the colors and the scenery appear in forms unlike reality.
It is a little abstract, but if I had to put into words the one thing that has drawn me all along, I would call it “the beauty of wavering.” What rises up suddenly out of light and shadow, out of dusk, out of the ripple of water — beautiful, yet unable to hold its form; present, yet impossible to grasp. I am strongly drawn to that sensation. Childhood as a theme holds that same wavering: it stays vivid in memory, and yet you can never return to it. It is only now that it has settled with me — I painted what I painted precisely because that sensation drew me.
Now, as a next step, I am also working on urban scenes, with Ginza in particular as a motif. Even when the motif changes, what I paint is not the scenery itself but the atmosphere that rises up when I stand there, the feeling that it might vanish in the very next moment. So my reading at present is this: I have consistently been drawn to the beauty of wavering, and I keep painting in order to understand it.
Q3. You did not go on to art school, and established your current style on your own. Could you tell us about the trial and error, and the changes, that brought you to the way you express yourself today?
The main reason I did not go to art school is that my desire to express what I was feeling was stronger than any wish to acquire knowledge or technique. Of course I understand how important it is to study systematically at an art university, but for me, “I want to paint this” and “I want to find out for myself how to express this sensation” came before anything else. And precisely because that sensation is something only I can know, I also felt that in the end I had no choice but to face it myself.
So the method that suited me best, I think, was to test each question — which color suits this sensation? should I draw a line here or not? — one by one against my own sensibility. I feel fortunate to have arrived at my present expression on my own, and being able to engage freely with my own sensibility, unbound by outside values or fixed ideas, has meant a great deal to me.
Q4. What kind of environment do you usually work in? Could you also tell us what you hold important in your process — how you find ideas, how you research locations, and how you approach expression?
In my process, I trust my own sensations before any reasoning. I always go to the places and subjects that draw me, and I begin by confirming what I feel once I am there. At the same time I record photographs, and I work from those, returning to the sensation I had in that moment. Along the way I add elements the photographs do not hold, and strip away what feels unnecessary; through that selecting and discarding, what drew me gradually comes into view.
What I value most of all is experiencing the subject myself. Without a strong pull toward it, without the wish to paint it, the work will never come into being, so I place that sensation above everything. Because I want to stay faithful to my own sensibility, reproducing a landscape realistically is not in itself important to me.
As for ideas, a chance encounter in daily life can be the trigger, but more often a new question arises as I work, and that question leads to the next theme. For example, the realization that the beauty of wavering I had felt in satoyama might also be expressed in the city is what widened my interest toward urban scenes.
With research, too, rather than conducting anything especially thorough, I value what naturally draws me in the course of a day. Inspiration comes from all kinds of triggers — a photograph in a magazine, a scene glimpsed in passing — and my antennae are always up. Lately I have had more occasion to visit Ginza, and what moves me strongly there is not the neon light itself, but the atmosphere it creates.
In this way, I care about scooping up the momentary sensation that rises out of a chance encounter, and carrying it through into expression.
Q5. This project treated an entire guest room as a canvas, which must have made it a special experience, different from your previous work. Could you tell us how ideas differ when the expression takes in the space itself, what new challenges you took on, and where you found ingenuity — or difficulty?
I usually paint on a flat canvas, and this was my first time working across a full 360-degree space, ceiling included. When I first saw the room, I felt that this would not be a work you “look at” in the conventional sense, but an experience you step inside and are immersed in — that the very nature of viewing would change entirely. So as I worked, I was strongly conscious of designing an experience, not simply creating a work. Weighing the scale and placement of the fireworks, the density of the detail, how much open space to leave, I kept asking myself how to make that immersion feel comfortable. I also cared about the approach — the flow from the corridor into the room — building a path that heightens anticipation.
What I was especially conscious of was open space. Because this is a hotel, I felt the work had to stay close to the stay experience itself, so rather than filling every surface, I deliberately left space — room to breathe — to create a space where guests can spend their time in comfort. My use of color, on the other hand, I did not change much; I carried my own sensibility straight through.
What changed most in this project was not the motif or the colors, but my awareness of how to make an entire space hold together as one experience.
Q6. Seeing the room in person, we were struck by its warmth — a space that opens into a world only you could create. Could you tell us about the story and the concept behind it?
Behind the choice of fireworks as a motif was, first, a request from the hotel for a theme with a Japanese character. Then I heard that from this room you can watch a fireworks festival head-on, and picturing that view, I felt intuitively that fireworks would suit this space beautifully. And indeed, the fireworks painted on the window glass catch their own reflection, creating a sense of unity in which outside and inside seem to run continuously into one another, so that the space feels all the more expansive.
Fireworks are also a motif that symbolizes the beauty of wavering I have been drawn to all along. In the moment you see them they are brilliant and exhilarating, and yet they carry a fleetingness — gone in an instant. I find them beautiful precisely including that ache, and in this space, alongside the sense of joy, I layered in just a little lingering resonance, a little transience.
Color, too, is a vital element for me. The gradation of dusk expresses the very sensation of shifting — not distinctly, but hazily, wavering — and it is one of the expressions I hold most dear. By bringing black into the upper part of the room, I let the flow of time and a sense of depth come through, and I was conscious of the balance that draws the whole together.
One color I rarely use, on the other hand, is green. People find that surprising, given that I paint nature, but for me, using green pulls the work toward realistic depiction, and that heads in a slightly different direction from expression filtered through my own sensation. If anything, I find more delicate, more sensory elements in a color like purple. That said, it is not that I dislike green itself — there are greens I love to wear in daily life. It is simply that when it comes to color in my work, I judge on a single axis: whether it suits my expression.
Q7. You created this room while staying at Park Hotel Tokyo. What impressions did you form from your time here? Could you tell us about the atmosphere of the hotel, and how comfortable you found it?
It has become a place I love so much that I can say without hesitation it is number one among every hotel I have stayed at. I have come back many times privately since finishing the room.
What struck me most is the view from the large windows. Even while I was working, I would stop my hand and find myself gazing at it. Within a single day it changes expression completely with the hour and the weather, until it feels like another world altogether. That shifting became a great inspiration for my work.
The hotel as a whole has a sense of luxury and immaculate care, and at the same time an air that lets you relax naturally; I spent my time here very comfortably. The art placed throughout the hotel stayed with me too — being able to enjoy art naturally, as an extension of daily life and of your stay, is a charm I have found nowhere else.
And what remains with me above all is the warmth of the staff. They supported me in so many ways while I was working, and when I return, they welcome me with “okaerinasai” — welcome home. Every time I feel that warmth, I know that this is a place where I can truly be at ease. It is a hotel with a special charm, one that makes you want to come home again and again.
Q8. Park Hotel Tokyo welcomes many guests from overseas. What kind of experience would you like them to have in this room? And do you have a message for the guests who stay here?
Fundamentally, I hold no clear direction of “this is how I want you to feel.” More than anything, I would be happy if you would simply stay in this room and enjoy the space freely. If I had to name one thing: how people feel about fireworks differs greatly from culture to culture, country to country. In Japan, I think many people share a sense of them as something not only beautiful, but attended by the fleetingness and the ache of a summer that vanishes in an instant. That delicate aesthetic sense is, I feel, one of the things that makes Japan Japan. So for guests visiting from overseas, I would be very glad if a stay in this room became an occasion to touch Japanese sensibility.
I also feel that travel itself is somehow like fireworks. In the moment it brims with exhilaration and joy, and yet it passes in no time at all — they share that same fleeting quality. That is exactly why I hope the hours you spend in this room, and your journey itself, will stay deep in your heart like fireworks: an irreplaceable moment.
■Biography
Born in Tokyo, graduated from Tokyo University of Foreign Studies with a degree in English, and studied abroad at the University of British Columbia in Canada. Taking landscapes and memories as her clues, she explores the sensations and attractions that linger within her, and draws them out into her work.
2026 | Paper Positions Berlin | Contemporary Tokyo | Berlin
2025 | Memory of Water (Solo Exhibition) | Contemporary Tokyo | Tokyo, Japan
2025 | London Original Print Fair | London, UK
2024 | Art Jakarta | Jakarta, Indonesia
2024 | Don't Lose Yourself | Mr. Huang Art Museum | Xi'an, China
2024 | ! (Solo Exhibition) | Contemporary Tokyo | Beijing, China
2024 | Visual Narratives | Touch Ceramics | Hong Kong
2023 | The Sun Goes Down (Solo Exhibition) | Nara Tsutaya Books | Nara, Japan
2023 | Gifts from the Ancient Times (Solo Exhibition) | Galerie Zberro | Paris, France
2023 | Art Session | Ginza Tsutaya Books | Tokyo, Japan
2023 | The Beauty of Artists' Harmony | Mei Art, Soak Art | Taipei, Taiwan
2023 | Focus Art Fair | New York, USA
2022 | Art021 Shanghai | Shanghai, China
2022 | KIAF Seoul | Seoul, Korea
About Park Hotel Tokyo
Park Hotel Tokyo is a sister hotel of Shiba Park Hotel, founded in 1948. Located on
floors 25–34 of Shiodome Media Tower, it offers panoramic views of Tokyo Tower
and Mt. Fuji. The hotel has 268 guestrooms, including 51 Artist Rooms where artists
paint directly on the walls. These Artist Rooms, designed as spaces to experience
Japanese aesthetics, have received the Excellence Award in the Japan Tourism
Awards.
https://parkhoteltokyo.com
Media inquiries regarding this matter should be directed to:
Shiba Park Hotel / Park Hotel Tokyo Brand Promotion Strategy
Division Contact: Kitao, Tsunoda
pr@shibaparkhotel.com
TEL: +81 (0)3 3433 4141 (main) FAX: +81 (0)3 5470 7515
里山の風景や幼少期の記憶をモチーフに独自の世界観を描くアーティスト・あやいろによるアーティストルーム「花火」（2025年9月販売開始）について、制作の背景や作品に込めた思い、そしてホテルでの滞在体験などをインタビュー形式でご紹介します。
Q1：あやいろさんは、東京外国語大学英語学科をご卒業後にアーティストの道へ進まれていますが、これまでのご経歴や、アートを始められたきっかけについてお聞かせください。
一見すると異なることをしてきたように見えるかもしれませんが、自分の中ではすべてが一本の線でつながっています。もともと幼い頃から、絵を描くことが好きで、さまざまな表現を楽しんできました。中学から高校の頃には、ハリウッド映画の俳優や女優の表情をスケッチすることに夢中になっていた時期があります。彼らの佇まいに強く惹かれ、「同じ言語で話したい」「同じ世界を共有したい」という思いから、英語を学び始めました。
英語を習得していく中で、その背景にある文化や価値観に触れるようになり、自分とは異なる思考に強く惹かれて留学も経験しました。そうして多様な価値観に触れるうちに、今度は「自分とは何者なのか」「自分の考えはどこから来ているのか」といった、自身のアイデンティティに向き合いたいという気持ちが生まれました。そのとき、不思議と、絵を描くことで「自分が何かを理解できたような感覚」があったんです。その感覚は言葉ではうまく説明できるものではありませんでしたが、「こういうことなのかもしれない」と感じられる体験でした。そうした感覚をきっかけに、幼少期をテーマにした作品を描き始めるようになりました。
当時はその感覚を明確に言語化できていたわけではありませんでしたが、絵を描くことが自分のアイデンティティと深く結びついているのだと、身体感覚として感じていたのだと思います。
Q2：日本の里山風景やそこに暮らす子どもたちを描いた作品は、どこか懐かしさを感じさせる独特の世界観が印象的です。幼少期の記憶が現在の画風にどのように影響しているのか、作品に込めた思いとあわせてお聞かせください。
実は、制作を始めた当初と比べて作品に対する捉え方は大きく変化しており、現在の視点でお話しすると、私の中では「作品に込める思い」というものは、特別にあるわけではないと感じています。というのも、「何かを伝えるために描く」というよりは、何かに心を動かされて「とにかく描きたい」という衝動から制作が始まるからです。描き進める中で取捨選択を繰り返し、後から「自分はこれに惹かれていたのだ」と気づくというプロセスが、私の制作の基本になっています。そのため、描いている最中は、自分でも何を描いているのかはっきり分かっていない感覚に近いですね。
結果として、絵を描くことは私にとって「自己理解」や「自己探求」の手段になっています。これまで幼少期の記憶や風景を描いてきましたが、今振り返ると、それ自体を再現していたのではなく、それを見たときに生まれた「感覚」を表現していたのだと思います。だからこそ、色味や風景も現実とは異なる形で表れているのだと感じています。
少し抽象的ではありますが、自分が一貫して惹かれているものをあえて言葉にするなら、「揺らぎの美」だと思います。光や影、夕暮れ、水面の揺れなどによってふと立ち上がる、美しいけれど形を留めておけなかったり、存在しているのに掴みきれなかったりする感覚に強く惹かれています。幼少期というテーマも、鮮明に記憶に残っているのに二度と戻れないという意味で、まさに「揺らぎ」を含んでいます。
そうした感覚に惹かれていたからこそ、これまで描いてきたのだと、今になって腑に落ちています。
現在は、次の展開として都会の風景、特に銀座をモチーフにした制作にも取り組んでいます。モチーフは異なっても、描いているのは風景そのものではなく、その場に立ったときにふと立ち上がる空気感や、次の瞬間には消えてしまいそうな感覚です。このように、私の中では一貫して「揺らぎの美」に惹かれ、それを理解するために描き続けている、というのが現在の解釈です。
Q3：美術大学には進まず独学で現在のスタイルを確立されたとのことですが、現在の表現に至るまでにどのような試行錯誤や変遷があったのか、お聞かせください。
美術大学に進まなかった理由としては、「知識や技術を学びたい」という思いよりも、「自分の感じているものをどうしても表現したい」という欲求が強かったことが大きいです。もちろん、美大で体系的に学ぶことの重要性はよく理解していますが、私の場合は「これを描きたい」「どうすればこの感覚を表現できるのかを自分で見つけたい」という思いが何よりも優先されていました。その感覚は自分にしか分からないものだからこそ、最終的には自分自身で向き合うしかないとも感じていました。
そのため、「この感覚にはどの色がふさわしいのか」「ここに線を引くべきかどうか」といった問いを一つひとつ、自分の感性と照らし合わせながら確かめていく方法が、自分には最も合っていたのだと思います。結果として独学で現在の表現に辿り着けたのは幸運だったと感じていますし、外部の価値観や固定概念に縛られずに、自分の感性と自由に向き合えたことは、大きな意味があったと感じています。
Q4：普段はどのような環境で制作されているのでしょうか。また、着想の得方やロケーションのリサーチ、表現方法など、制作プロセスや作品づくりにおいて大切にされていることをお聞かせください。
制作のプロセスとしては、理屈よりもまず自分の感覚を大切にしています。自分が惹かれる場所や対象には必ず足を運び、その場で何を感じるかを確かめることから始めます。同時に写真を記録し、それをベースにしながら、当時の感覚に立ち返りつつ制作を進めていきます。その過程で、写真にはない要素を加えたり、逆に不要だと感じたものを削ぎ落としたりと取捨選択を重ねることで、自分が何に惹かれていたのかが次第に見えてきます。
なかでも大切にしているのは、「自分自身がその対象を体験すること」です。強く惹かれる気持ちや描きたいという思いがなければ作品にはならないため、その感覚を何よりも重視しています。あくまで自分の感性に忠実であることを大切にしているので、風景をリアルに再現すること自体は重視していません。
着想については、日常の中での偶然の出会いがきっかけになることもありますが、多くの場合は制作を進める中で新たな疑問が生まれ、それが次のテーマへとつながっていきます。例えば、里山で感じた「揺らぎの美」が、都会でも表現できるのではないかという気づきから、都市の風景へと関心が広がっていきました。
リサーチについても、特別に綿密な調査をするというよりは、日常の中で自然に惹かれたものを大切にしています。雑誌の写真やふとした風景など、さまざまなきっかけからインスピレーションを得ており、常に感覚のアンテナを張っている状態です。最近では銀座に足を運ぶ機会が増え、ネオンの光そのものではなく、それによって生まれる空気感に強く心を動かされています。
このように、偶然の出会いの中で立ち上がる一瞬の感覚をすくい取り、それを表現へとつなげていくことを大切にしています。
Q5：今回のプロジェクトは、客室全体をキャンバスとして捉えるという点で、これまでの制作とは異なる特別な体験だったかと思います。空間を含めた表現ならではの着想の違いや、新たに挑戦されたこと、また制作における工夫や苦労された点についてお聞かせください。
私は普段、平面のキャンバスに作品を描いていますが、天井を含めた360度の空間に表現するのは今回が初めてでした。最初に部屋を見たとき、従来の「見る」作品とは異なり、「その場に身を置いて没入する体験」になると感じ、鑑賞の在り方そのものが大きく変わると実感しました。そのため制作では、作品としてだけでなく、“体験をデザインする”ことを強く意識しました。花火のスケールや配置、描き込みの密度、余白の取り方などを検討しながら、どのようにすれば心地よく没入できるかを考え続けていました。また、廊下から客室へと入る流れも含め、期待感を高める導線づくりも大切にしています。
特に意識したのは余白です。ホテルという特性上、滞在体験そのものに寄り添う必要性を感じ、すべてを描き込むのではなく、あえて余白を残すことで、呼吸ができるような余裕を持たせ、心地よく過ごせる空間づくりを意識しました。一方で色使い自体は大きく変えておらず、自分の感性に基づいた表現をそのまま活かしています。
今回の制作で最も大きく変わったのは、モチーフや色ではなく、「空間全体をひとつの体験としてどう成立させるか」という意識の部分だったと感じています。
Q6： 実際にお部屋を拝見し、あやいろさんならではの世界観が広がる空間に、温かい印象を受けました。本客室に込められたストーリーやコンセプトについてお聞かせください。
花火をモチーフに選んだ背景には、まず「日本らしいテーマで」というリクエストがホテルからありました。さらに、このお部屋から実際に花火大会を正面に眺めることができると伺い、その景色を思い浮かべたときに、「花火がとてもよく似合う空間だ」と直感的に感じたんです。実際に、窓ガラスに描いた花火が映り込むことで、まるで外と内が地続きになっているような一体感が生まれ、空間としての広がりをより感じられるようになっています。
さらに花火は、私がこれまで一貫して惹かれてきた「揺らぎの美」を象徴するモチーフでもあります。見る瞬間は華やかで高揚感がありながら、一瞬で消えてしまう儚さを併せ持っている。その切なさも含めて美しい存在だと感じており、今回の空間でも「楽しい」という感覚に加えて、ほんの少しの余韻や儚さを重ねながら表現しました。
色についても、自分にとって非常に重要な要素です。夕暮れのグラデーションは、はっきりと移り変わるのではなく、曖昧に揺らいでいく感覚そのものを表現したもので、私の中ではとても大切な表現のひとつです。上部に黒を取り入れることで時間の流れと奥行きを感じさせ、全体を引き締めるバランスも意識しています。
一方で、あまり使用しない色として「緑」があります。
自然を描いているにもかかわらず意外に思われるのですが、私の中では緑を使うと写実的な表現に寄ってしまう感覚があり、自分の感覚を通した表現とは少し異なる方向になると感じています。むしろ紫のような色に、より繊細で感覚的な要素を感じています。ただし、緑そのものが嫌いというわけではなく、日常の中で身につける色としては好きなものもあります。あくまで作品における色選びは、「自分の表現に合うかどうか」という軸で判断している、というのが大きいですね。
Q7：今回、パークホテル東京に滞在しながら制作されたとのことですが、実際にお過ごしになってどのような印象を持たれましたか。ホテルの雰囲気や居心地についてお聞かせください。
「これまで泊まったホテルの中でナンバーワン」と断言できるほど、大好きな場所になりました。制作後もプライベートで何度も訪れているほどです。
特に印象的なのは、大きな窓からの景色です。制作中もつい手を止めて見入ってしまうほどで、一日の中でも時間帯や天候によって表情が大きく変わり、まるで別の世界のように感じられます。その移ろいが、創作にとって大きなインスピレーションになっていました。
また、ホテル全体に高級感と清潔感がありながら、自然とリラックスできる空気があり、とても心地よく過ごせました。館内に点在するアートも印象的で、生活や滞在の延長として自然にアートを楽しめる点に、他にはない魅力を感じました。
そして何より心に残っているのは、スタッフの皆さんの温かさです。制作中もさまざまな場面で支えていただき、再訪した際には「おかえりなさい」と迎えていただける。その温かさに触れるたびに、ここは自分にとって心からくつろげる場所なのだと感じます。何度でも帰りたくなる、そんな特別な魅力を持ったホテルです。
Q8：パークホテル東京には海外からのお客様が多くいらっしゃいますが、この客室ではどのような体験をしてほしいとお考えでしょうか。また、ご宿泊されるゲストへのメッセージがあればお聞かせください。
基本的に、鑑賞される方に「こう感じてほしい」といった明確な方向づけは持っていません。まずはこのお部屋に滞在していただき、空間そのものを自由に楽しんでいただけたら、それが何より嬉しいことです。ただひとつ挙げるとすれば、「花火」に対する感じ方は文化や国によって大きく異なるものだと思います。日本では、ただ美しいだけでなく、夏の一瞬で消えてしまう儚さや切なさを伴う存在として、多くの人が共通の感覚を持っているのではないでしょうか。そうした繊細な美意識も、日本らしさのひとつだと感じています。そのため、海外からいらした方にとっても、このお部屋での滞在が日本の感性に触れるきっかけになれば、とても嬉しく思います。
また、私自身は「旅」というものも、どこか花火に似ていると感じています。その瞬間は高揚感にあふれていて楽しいけれど、あっという間に過ぎ去ってしまう——そんな儚さを持っている点が共通しているように思うんです。だからこそ、このお部屋で過ごす時間や旅そのものが、花火のように心に深く残る、かけがえのないひとときになればと願っています。
■作家プロフィール
東京生まれ。東京外国語大学英語学科卒業。カナダ・ブリティッシュコロンビア大学に留学。風景や記憶を手がかりに、自身の内側に残る感覚や惹かれを探求し、作品へと描き出している。
2026 Paper Positions Berlin／Contemporary Tokyo／ベルリン
2025 ⽔の記憶（個展）／Contemporary Tokyo／東京
2025 London Original Print Fair／ロンドン
2024 Art Jakarta／ジャカルタ
2024 Don’t Lose Yourself／Mr. Huang Art Museum／⻄安
2024 ！（個展）／Contemporary Tokyo／北京
2024 Visual Narratives／Touch Ceramics／⾹港
2023 ⽇が暮れて（個展）／奈良 蔦屋書店／奈良
2023 Gifts from the Ancient Times（個展）／Galerie Zberro／パリ
2023 Art Session／銀座 蔦屋書店／東京
2023 美の共鳴／Mei Art, Soak Art／台北
2023 Focus Art Fair／ニューヨーク
2022 ART021 Shanghai／上海
2022 KIAF Seoul／ソウル
2020 第 37 回 ザ・チョイス年度賞優秀賞
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パークホテル東京について
パークホテル東京は、1948年創業の芝パークホテルの姉妹ホテルです。汐留メディアタワー25階から34階にあり、東京タワーや富士山を見渡せる絶景が魅力です。客室は268室で、うち52室はアーティストが壁に絵を描いた「アーティストルーム」です。この「アーティストルーム」は、“日本の美意識が体感できる時空間”をコンセプトにしたプロジェクトで、ジャパン・ツーリズム・アワードで領域優秀賞を受賞しました。ロビーや回廊には400点以上のアートが展示されています。呈茶や絵画体験などのアートイベントも開催しています。
https://parkhoteltokyo.com
本件に関する報道関係者からのお問い合わせ先
芝パークホテル / パークホテル東京 マーケティング部ブランド戦略推進課
担当:喜多尾、角田
pr@shibaparkhotel.com
TEL：03-3433-4141（代） FAX：03-5470-7515
Park Hotel Tokyo's Artist in Hotel: Immerse Yourself in "the Beauty of Transience"
Artist Room "Fireworks" — An Interview with Japanese Artist Ayaïro, who painted an entire guest room as an Immersive Art Experience
Japanese artist Ayaïro speaks about her thoughts on the work and the background to its creation. At Park Hotel Tokyo (Operated by Shiba Park Hotel Co., Ltd. / Minato-ku, Tokyo / President: Noriyoshi Tanaka), artists paint directly onto the walls and ceilings of our guest rooms, shaping each space in its entirety into a single art installation. We call them “Artist Rooms.Taking Japanese culture and aesthetics as its themes, the project works hand in hand with Japanese artists to create stay experiences found nowhere else.
Here we introduce the Artist Room “Fireworks” (available from September 2025) by Ayaïro, an artist who draws on satoyama landscapes — Japan’s countryside where villages meet the hills — and on memories of childhood to paint a world entirely her own. In this interview she speaks about the background to her work, the thoughts she carried into the room, and her own stay at the hotel.
Q1. You graduated from Tokyo University of Foreign Studies with a degree in English before taking the path of an artist. Could you tell us about your background, and what first drew you to art?
It may look as though I have moved between unrelated things, but within me it all connects in a single line. I loved to draw from the time I was small, and I enjoyed expressing myself in all sorts of ways. In junior high and high school, there was a period when I became absorbed in sketching the faces of Hollywood actors and actresses. I was strongly drawn to the way they carried themselves, and out of a wish to “speak the same language” and “share the same world,” I began to study English.
As I learned the language, I came into contact with the culture and the values behind it. I was strongly drawn to ways of thinking different from my own, and I went abroad to study. As I encountered that diversity of values, a new feeling took shape: I wanted to face my own identity — who am I, and where do my thoughts come from? And then, curiously, drawing gave me a sense that I had come to understand something. It was not a feeling I could explain well in words, but it was an experience that let me think, “perhaps this is what it is.” That sensation is what led me to start painting works themed on childhood.
At the time I could not put that feeling clearly into words, but I think I felt it in my body — that drawing was deeply bound up with my own identity.
Q2. Your works depicting Japan’s satoyama landscapes and the children who live in them have a distinctive world of their own, one that carries a sense of nostalgia. Could you tell us how memories of childhood shape the way you paint today, and what thoughts you bring to your work?
In truth, the way I see my own work has changed a great deal since I began. Speaking from where I stand now, I don’t feel there are any particular “thoughts I place into a work.” That is because I don’t paint in order to convey something; the work begins from an impulse — something moves me, and I simply want to paint. As I go, I select and discard, over and over, and only afterwards do I realize, “ah, this is what drew me.” That process is the foundation of my practice. So while I am painting, it is close to not quite knowing what I am painting.
As a result, painting has become a means of self-understanding, of self-exploration. I have painted memories and landscapes from childhood, but looking back, I was not reproducing those things themselves — I was expressing the sensation that arose in me when I saw them. That, I think, is why the colors and the scenery appear in forms unlike reality.
It is a little abstract, but if I had to put into words the one thing that has drawn me all along, I would call it “the beauty of wavering.” What rises up suddenly out of light and shadow, out of dusk, out of the ripple of water — beautiful, yet unable to hold its form; present, yet impossible to grasp. I am strongly drawn to that sensation. Childhood as a theme holds that same wavering: it stays vivid in memory, and yet you can never return to it. It is only now that it has settled with me — I painted what I painted precisely because that sensation drew me.
Now, as a next step, I am also working on urban scenes, with Ginza in particular as a motif. Even when the motif changes, what I paint is not the scenery itself but the atmosphere that rises up when I stand there, the feeling that it might vanish in the very next moment. So my reading at present is this: I have consistently been drawn to the beauty of wavering, and I keep painting in order to understand it.
Q3. You did not go on to art school, and established your current style on your own. Could you tell us about the trial and error, and the changes, that brought you to the way you express yourself today?
The main reason I did not go to art school is that my desire to express what I was feeling was stronger than any wish to acquire knowledge or technique. Of course I understand how important it is to study systematically at an art university, but for me, “I want to paint this” and “I want to find out for myself how to express this sensation” came before anything else. And precisely because that sensation is something only I can know, I also felt that in the end I had no choice but to face it myself.
So the method that suited me best, I think, was to test each question — which color suits this sensation? should I draw a line here or not? — one by one against my own sensibility. I feel fortunate to have arrived at my present expression on my own, and being able to engage freely with my own sensibility, unbound by outside values or fixed ideas, has meant a great deal to me.
Q4. What kind of environment do you usually work in? Could you also tell us what you hold important in your process — how you find ideas, how you research locations, and how you approach expression?
In my process, I trust my own sensations before any reasoning. I always go to the places and subjects that draw me, and I begin by confirming what I feel once I am there. At the same time I record photographs, and I work from those, returning to the sensation I had in that moment. Along the way I add elements the photographs do not hold, and strip away what feels unnecessary; through that selecting and discarding, what drew me gradually comes into view.
What I value most of all is experiencing the subject myself. Without a strong pull toward it, without the wish to paint it, the work will never come into being, so I place that sensation above everything. Because I want to stay faithful to my own sensibility, reproducing a landscape realistically is not in itself important to me.
As for ideas, a chance encounter in daily life can be the trigger, but more often a new question arises as I work, and that question leads to the next theme. For example, the realization that the beauty of wavering I had felt in satoyama might also be expressed in the city is what widened my interest toward urban scenes.
With research, too, rather than conducting anything especially thorough, I value what naturally draws me in the course of a day. Inspiration comes from all kinds of triggers — a photograph in a magazine, a scene glimpsed in passing — and my antennae are always up. Lately I have had more occasion to visit Ginza, and what moves me strongly there is not the neon light itself, but the atmosphere it creates.
In this way, I care about scooping up the momentary sensation that rises out of a chance encounter, and carrying it through into expression.
Q5. This project treated an entire guest room as a canvas, which must have made it a special experience, different from your previous work. Could you tell us how ideas differ when the expression takes in the space itself, what new challenges you took on, and where you found ingenuity — or difficulty?
I usually paint on a flat canvas, and this was my first time working across a full 360-degree space, ceiling included. When I first saw the room, I felt that this would not be a work you “look at” in the conventional sense, but an experience you step inside and are immersed in — that the very nature of viewing would change entirely. So as I worked, I was strongly conscious of designing an experience, not simply creating a work. Weighing the scale and placement of the fireworks, the density of the detail, how much open space to leave, I kept asking myself how to make that immersion feel comfortable. I also cared about the approach — the flow from the corridor into the room — building a path that heightens anticipation.
What I was especially conscious of was open space. Because this is a hotel, I felt the work had to stay close to the stay experience itself, so rather than filling every surface, I deliberately left space — room to breathe — to create a space where guests can spend their time in comfort. My use of color, on the other hand, I did not change much; I carried my own sensibility straight through.
What changed most in this project was not the motif or the colors, but my awareness of how to make an entire space hold together as one experience.
Q6. Seeing the room in person, we were struck by its warmth — a space that opens into a world only you could create. Could you tell us about the story and the concept behind it?
Behind the choice of fireworks as a motif was, first, a request from the hotel for a theme with a Japanese character. Then I heard that from this room you can watch a fireworks festival head-on, and picturing that view, I felt intuitively that fireworks would suit this space beautifully. And indeed, the fireworks painted on the window glass catch their own reflection, creating a sense of unity in which outside and inside seem to run continuously into one another, so that the space feels all the more expansive.
Fireworks are also a motif that symbolizes the beauty of wavering I have been drawn to all along. In the moment you see them they are brilliant and exhilarating, and yet they carry a fleetingness — gone in an instant. I find them beautiful precisely including that ache, and in this space, alongside the sense of joy, I layered in just a little lingering resonance, a little transience.
Color, too, is a vital element for me. The gradation of dusk expresses the very sensation of shifting — not distinctly, but hazily, wavering — and it is one of the expressions I hold most dear. By bringing black into the upper part of the room, I let the flow of time and a sense of depth come through, and I was conscious of the balance that draws the whole together.
One color I rarely use, on the other hand, is green. People find that surprising, given that I paint nature, but for me, using green pulls the work toward realistic depiction, and that heads in a slightly different direction from expression filtered through my own sensation. If anything, I find more delicate, more sensory elements in a color like purple. That said, it is not that I dislike green itself — there are greens I love to wear in daily life. It is simply that when it comes to color in my work, I judge on a single axis: whether it suits my expression.
Q7. You created this room while staying at Park Hotel Tokyo. What impressions did you form from your time here? Could you tell us about the atmosphere of the hotel, and how comfortable you found it?
It has become a place I love so much that I can say without hesitation it is number one among every hotel I have stayed at. I have come back many times privately since finishing the room.
What struck me most is the view from the large windows. Even while I was working, I would stop my hand and find myself gazing at it. Within a single day it changes expression completely with the hour and the weather, until it feels like another world altogether. That shifting became a great inspiration for my work.
The hotel as a whole has a sense of luxury and immaculate care, and at the same time an air that lets you relax naturally; I spent my time here very comfortably. The art placed throughout the hotel stayed with me too — being able to enjoy art naturally, as an extension of daily life and of your stay, is a charm I have found nowhere else.
And what remains with me above all is the warmth of the staff. They supported me in so many ways while I was working, and when I return, they welcome me with “okaerinasai” — welcome home. Every time I feel that warmth, I know that this is a place where I can truly be at ease. It is a hotel with a special charm, one that makes you want to come home again and again.
Q8. Park Hotel Tokyo welcomes many guests from overseas. What kind of experience would you like them to have in this room? And do you have a message for the guests who stay here?
Fundamentally, I hold no clear direction of “this is how I want you to feel.” More than anything, I would be happy if you would simply stay in this room and enjoy the space freely. If I had to name one thing: how people feel about fireworks differs greatly from culture to culture, country to country. In Japan, I think many people share a sense of them as something not only beautiful, but attended by the fleetingness and the ache of a summer that vanishes in an instant. That delicate aesthetic sense is, I feel, one of the things that makes Japan Japan. So for guests visiting from overseas, I would be very glad if a stay in this room became an occasion to touch Japanese sensibility.
I also feel that travel itself is somehow like fireworks. In the moment it brims with exhilaration and joy, and yet it passes in no time at all — they share that same fleeting quality. That is exactly why I hope the hours you spend in this room, and your journey itself, will stay deep in your heart like fireworks: an irreplaceable moment.
Born in Tokyo, graduated from Tokyo University of Foreign Studies with a degree in English, and studied abroad at the University of British Columbia in Canada. Taking landscapes and memories as her clues, she explores the sensations and attractions that linger within her, and draws them out into her work.
2026 | Paper Positions Berlin | Contemporary Tokyo | Berlin
2025 | Memory of Water (Solo Exhibition) | Contemporary Tokyo | Tokyo, Japan
2025 | London Original Print Fair | London, UK
2024 | Art Jakarta | Jakarta, Indonesia
2024 | Don't Lose Yourself | Mr. Huang Art Museum | Xi'an, China
2024 | ! (Solo Exhibition) | Contemporary Tokyo | Beijing, China
2024 | Visual Narratives | Touch Ceramics | Hong Kong
2023 | The Sun Goes Down (Solo Exhibition) | Nara Tsutaya Books | Nara, Japan
2023 | Gifts from the Ancient Times (Solo Exhibition) | Galerie Zberro | Paris, France
2023 | Art Session | Ginza Tsutaya Books | Tokyo, Japan
2023 | The Beauty of Artists' Harmony | Mei Art, Soak Art | Taipei, Taiwan
2023 | Focus Art Fair | New York, USA
2022 | Art021 Shanghai | Shanghai, China
2022 | KIAF Seoul | Seoul, Korea
Park Hotel Tokyo is a sister hotel of Shiba Park Hotel, founded in 1948. Located on
floors 25–34 of Shiodome Media Tower, it offers panoramic views of Tokyo Tower
and Mt. Fuji. The hotel has 268 guestrooms, including 51 Artist Rooms where artists
paint directly on the walls. These Artist Rooms, designed as spaces to experience
Japanese aesthetics, have received the Excellence Award in the Japan Tourism
Awards.
https://parkhoteltokyo.com
Media inquiries regarding this matter should be directed to:
Shiba Park Hotel / Park Hotel Tokyo Brand Promotion Strategy
Division Contact: Kitao, Tsunoda
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